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ハムレットQ1@PARCO劇場

2024年5月18日、PARCO劇場にて『ハムレットQ1』を観劇(2時間55分、休憩込み)。Q1版の『ハムレット』ということで、3時間以内に収まるコンパクトな上演でした。以下、ネタバレ注意です。
吉田羊さん演じるハムレットが良かったです。以前、男装する女性の役を演じたのを見たことがあり、男役も似合いそうだと思っていたので、今回見ることができて嬉しかったです。
ハムレットは狂気を装う時、わざと高い声で話していました。喉を痛めないかと心配になるほど(余計な心配ですね…)、その声で話す場面が多いことに驚きました。ハムレットにとって、戯曲『ハムレット』の世界は、狂気を装ったり演技をしたりと、素の自分でいられる時間が少ない息苦しいものなのだと気付かされました。
独白の時と、ホレイショーと話す時は普通の話し方でした。それから、墓掘りに話しかける時も、普通の話し方でした。墓掘りに対してハムレットが素の自分を見せられるのは、親密な相手だからではなく、元々違う立場の人間だからこそ、脅威ではないと判断し、心を開いているのかもしれないと思いました。原文では"thou"を用いて話していることと関係があるのかもしれない、とも思いました。
原文にあたった上で今回の上演をとらえると、登場人物の心情などが浮き彫りになるように思い、興味深い観劇体験ができました。

(Caution: contains a spoiler.)
On 18 May 2024, I saw and heard Hamlet Q1 at Parco Theater in Tokyo. As the title shows, it is a production based on Q1 of William Shakespeare's Hamlet.
I liked Hamlet, played by Yoh Yoshida, a female actor. I had seen her play a female role who disguised as a man, which was impressive, so I thought she would be good at playing a male role too, and it was so indeed.
When pretending to be mad, Hamlet spoke in unnaturally high-pitched voice. I was surprised to know how often he spoke in this way. Then I realised that Hamlet couldn't live as he was because he had to pretend or act so often.
He spoke in a natural way in soliloquies and conversations with Horatio. Also, he did so when he spoke to a gravedigger. Unlike Horatio, the gravedigger was not close to Hamlet, so I wondered why at first. Now I think, because of the class difference, the gravedigger was not a threat to Hamlet, so Hamlet didn't have to pretend or act to the gravedigger. I assumed so because Hamlet used "thou" when he spoke with the gravedigger in the script in English (this production was in Japanese, though).
This production taught me that lines in the script, an actor's acting, and a character's feelings were closely connected.



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チャリング・クロス街84番地@あうるすぽっと

2026年10月9日、あうるすぽっとにて劇団昴の『チャリング・クロス街84番地』を観劇(2時間5分、休憩込み)。 イギリスの古書店と、その客でアメリカに住む作家との間の、手紙のやりとりを描いた物語でした。舞台は20世紀半ばで、インターネットなどもなく、コミュニケーションには時間がかかる時代です。しかし、登場人物たちが相手からの手紙や注文した本を待つ時間は、相手のことを思う時間であり、あたたかいものに見えました。実際、作家は古書店で働く人たちのために時々プレゼントを贈ったり、古書店の方は注文の品以外にも相手が気に入りそうな本を選んだりしていましたが、それらは「これを贈ったら喜んでくれるか」「こういうものの方が気に入るかも」などと相手の顔を想像する時間です。私はそこにあたたかさを感じたのだと思います。 現代は技術の進歩もあり便利な時代です。しかし、人々の生活のペースが速く、コミュニケーションにかける時間も短くなっているように思います(送受信といった実際のやりとりの時間も、相手のことを考えるといった心理面での時間も、両方です)。この作品は、観劇したり読んだりする人の世代や生活スタイルによって見え方が異なるのかもしれません。アナログな時代を「優しい時代だった」と懐かしんだり、時間がかかることを「面倒くさい」と思ったり、逆に新鮮で面白いと感じる人もいるかもしれません。私はこの作品のアナログなところを好きだと思いましたが、それは舞台上演(生の演劇)というそれ自体アナログなメディアに興味関心を持っているからだと思います。 そういった意味で、時代の流れ、人々の変化、自分の内面にある「なぜ?」と向き合うきっかけをくれた、素敵な作品でした。

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2026年9月19日、吉祥寺シアターにて『冬物語』を観劇(2時間30分、休憩込み)。 演劇集団円×中屋敷法仁によるシェイクスピアのロマンス劇という共通点のため、2023年の 『ペリクリーズ』 を思い出す上演でした。これは、似ているから新鮮味がないというのではなく、似たものを両方見たからこそ、シェイクスピアが『ペリクリーズ』でも『冬物語』でも(もしかしたら他の作品も含めて)描きたかった共通のテーマを感じ取れたと思います。 例えば『冬物語』における、主人公を手助けする羊飼いたち、「時」の存在、家族が生きていたと気付き始めて心を乱すレオンティーズ、再会の場面での音楽の役割などは、『ペリクリーズ』における漁師たち、ガワーという語り手、同様に心を乱すペリクリーズ、サイサが息を吹き返す時やマリーナと再会する時の音楽、といった要素と呼応します。それらの並列を通して、私が思うシェイクスピア(のロマンス劇)的なテーマは、一つには語り手の口を借りたり音楽を用いたりして観客の想像力をかき立てること、そしてもう一つは登場人物がそう信じればそれが真実になるということだと思いました(後者も想像力と言えばそうですね)。ハーマイオニの石像が動き出す場面など、文字で追うだけでは滑稽にも見える種明かしですが、レオンティーズたちが「今にも動き出しそうだ」と心からそう言って、それが本当に動き出し、レオンティーズがやっとハーマイオニの手に触れる、という場面だから観客も感動するのだと思いました。 作品のジャンルによって程度の差はあるものの、演劇というメディア自体、想像力を必要とするものです。そのことを、教わるのではなく、観劇を通して実感できてよかったです。