Peter Pan at The Attic Theatre

2022年6月5日、The Attic TheatreにてPeter Panを観劇（1時間35分、休憩込み）。予想通り家族連れが目立ちましたが、子供の頃好きだった作品なので、一人でも観に行くことにしました。

前回訪れた時の記事にも書いたように、The Attic Theatreは小規模な劇場です。そのような劇場で、スペクタクルな作品をどのように演出するのか、気になっていました。演出で最も興味深かったのはティンカーベルの表現方法です。ティンカーベル役の役者はおらず、光で表現していました。ティンカーベルが現れたり消えたりするのが一瞬で、マジックのようでした。はじめは他の役者たちが光るおもちゃか何かを持ってスイッチをオンオフにしているのかと思いましたが、役者たちの手元を見ても何も持っていませんでした。次に考えたのは、役者たちの指先に蛍光塗料を塗り、照明を当てて表現していたのかということでしたが、天井を見てもそのような仕掛けはなさそうでした。どのような方法でティンカーベルを見せていたのか、最後まで分かりませんでしたが、タネが分からないからこそ、子供たちも大人の観客も夢中になって観ていました。

On 5 June 2022, I saw and heard Peter Pan by J. M. Barrie at The Attic Theatre. It was a family-friendly play but I went to see it on my own, because the story was one of my favourites.

As I wrote in a former post, The Attic Theatre is a small venue. I was interested in how they would perform the spectacle play at such a small theatre. The most interesting thing for me was how they expressed Tinker Bell. It was expressed by light instead of by a human actor. She (the light) appeared and disappeared suddenly, so I thought it was like magic. At first, I assumed that actors had a small toy and switch it on and off, but I found nothing in their hands when I gazed the actors. Then I thought that they put fluorescent paint on their fingers, but I couldn't find the light for that on the ceiling. Since we had no idea how they showed Tinker Bell, it looked magical and that attracted audiences.

冬物語＠吉祥寺シアター

2026年9月19日、吉祥寺シアターにて『冬物語』を観劇（2時間30分、休憩込み）。演劇集団円×中屋敷法仁によるシェイクスピアのロマンス劇という共通点のため、2023年の『ペリクリーズ』を思い出す上演でした。これは、似ているから新鮮味がないというのではなく、似たものを両方見たからこそ、シェイクスピアが『ペリクリーズ』でも『冬物語』でも（もしかしたら他の作品も含めて）描きたかった共通のテーマを感じ取れたと思います。例えば『冬物語』における、主人公を手助けする羊飼いたち、「時」の存在、家族が生きていたと気付き始めて心を乱すレオンティーズ、再会の場面での音楽の役割などは、『ペリクリーズ』における漁師たち、ガワーという語り手、同様に心を乱すペリクリーズ、サイサが息を吹き返す時やマリーナと再会する時の音楽、といった要素と呼応します。それらの並列を通して、私が思うシェイクスピア（のロマンス劇）的なテーマは、一つには語り手の口を借りたり音楽を用いたりして観客の想像力をかき立てること、そしてもう一つは登場人物がそう信じればそれが真実になるということだと思いました（後者も想像力と言えばそうですね）。ハーマイオニの石像が動き出す場面など、文字で追うだけでは滑稽にも見える種明かしですが、レオンティーズたちが「今にも動き出しそうだ」と心からそう言って、それが本当に動き出し、レオンティーズがやっとハーマイオニの手に触れる、という場面だから観客も感動するのだと思いました。作品のジャンルによって程度の差はあるものの、演劇というメディア自体、想像力を必要とするものです。そのことを、教わるのではなく、観劇を通して実感できてよかったです。

シークレットステージ＠ぴあシアター

2026年9月18日、ぴあシアターにて『シークレットステージ』を観劇（2時間35分、休憩込み）。劇中劇やリハーサルの場合もあるという、バックステージものの新作ミュージカルでした。そのような枠組みの作品は、例えば『HEADS UP！』（2015年、2018年）や『The Play That Goes Wrong』（2022年）のように、笑えるものが多いと思っていました。今回観劇した『シークレットステージ』は、第1幕はそういった雰囲気でしたが、第2幕はより深い内容で、対照的でした。その理由を考えてみた時、生と死を感じさせる内容だったからだと思いました。劇中劇のプロットや登場人物の回想など、目に見える範囲で生と死が描かれていたこともありますし、（劇中・現実問わず）劇団や役者が活動を終えたり、新しい劇場ができてそこから歴史が積み上がっていくなど、メタ的に生と死が感じられるものでもありました。ぴあシアターという、オープンして間もない会場で観劇したので、尚更そう思ったのかもしれません。（開場中は写真撮影OKでした。）

チャリング・クロス街84番地＠あうるすぽっと

2026年10月9日、あうるすぽっとにて劇団昴の『チャリング・クロス街84番地』を観劇（2時間5分、休憩込み）。イギリスの古書店と、その客でアメリカに住む作家との間の、手紙のやりとりを描いた物語でした。舞台は20世紀半ばで、インターネットなどもなく、コミュニケーションには時間がかかる時代です。しかし、登場人物たちが相手からの手紙や注文した本を待つ時間は、相手のことを思う時間であり、あたたかいものに見えました。実際、作家は古書店で働く人たちのために時々プレゼントを贈ったり、古書店の方は注文の品以外にも相手が気に入りそうな本を選んだりしていましたが、それらは「これを贈ったら喜んでくれるか」「こういうものの方が気に入るかも」などと相手の顔を想像する時間です。私はそこにあたたかさを感じたのだと思います。現代は技術の進歩もあり便利な時代です。しかし、人々の生活のペースが速く、コミュニケーションにかける時間も短くなっているように思います（送受信といった実際のやりとりの時間も、相手のことを考えるといった心理面での時間も、両方です）。この作品は、観劇したり読んだりする人の世代や生活スタイルによって見え方が異なるのかもしれません。アナログな時代を「優しい時代だった」と懐かしんだり、時間がかかることを「面倒くさい」と思ったり、逆に新鮮で面白いと感じる人もいるかもしれません。私はこの作品のアナログなところを好きだと思いましたが、それは舞台上演（生の演劇）というそれ自体アナログなメディアに興味関心を持っているからだと思います。そういった意味で、時代の流れ、人々の変化、自分の内面にある「なぜ？」と向き合うきっかけをくれた、素敵な作品でした。

Rena Endo

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