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桜の園@PARCO劇場

2023年8月7日、PARCO劇場にて『桜の園』を観劇(3時間、休憩込み)。以下、ネタバレ注意です。
イギリスの演出家、ショーン・ホームズによる演出でした。彼の演出作品は、イギリスで『十二夜』(2021年、グローブ座)、『ハムレット』(2022年、サム・ワナメイカー・プレイハウス)、『テンペスト』(2022年、グローブ座)を観ていたので、また彼の演出作品を観られるのを楽しみにしていました。
今回の『桜の園』の演出で興味深いと思ったのは、第2幕の野外の場面が、プールサイドのようになっていたことです。ビニールプールに水が張られ(シャルロッタはプールの中でキュウリをかじっていました!)、その脇にはパラソルやビーチチェアが置かれていました。この演出は、ホームズによる他の作品の上演を想起させるものでした。『ハムレット』でも舞台上にプールがあり、水が死の象徴として使われていましたし、『テンペスト』ではプールは出てこなかったものの、登場人物がアロハシャツを着ていたりして常夏の海辺を思わせる演出でした。ホームズは水辺が好きなのかな、と思いつつ、水のイメージが強い『十二夜』でそのような演出がなかったのは何故なのか、気になりました。
同じ演出家による複数の作品を比較してみると面白いので、また日本で、あるいはイギリスで、ショーン・ホームズの演出作品を観てみたいです。

(Caution: contains a spoiler.)
On 7 August 2023, I saw and heard The Cherry Orchard by Anton Chekhov at Parco Theater in Tokyo.
It was directed by Sean Holmes, a British director. I saw his productions when I was in England: Twelfth Night (2021 at Shakespeare's Globe), Hamlet (2022 at Sam Wanamaker Playhouse), and The Tempest (2022 at Shakespeare's Globe). I was glad to see his production again, in Japan this time.
In his production of The Cherry Orchard, a pool, a beach umbrella and beach chairs were brought on stage in Act 2. This reminded me of his past productions. For example, Hamlet also had a pool on stage, symbolising death. In The Tempest, many of  the scenes were turned into somewhere in a tropical beachside. Then, I wonder if he likes waterside.
It is interesting to compare several productions by one director, so I want to see his productions again, perhaps in Japan, or hopefully in England.



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チャリング・クロス街84番地@あうるすぽっと

2026年10月9日、あうるすぽっとにて劇団昴の『チャリング・クロス街84番地』を観劇(2時間5分、休憩込み)。 イギリスの古書店と、その客でアメリカに住む作家との間の、手紙のやりとりを描いた物語でした。舞台は20世紀半ばで、インターネットなどもなく、コミュニケーションには時間がかかる時代です。しかし、登場人物たちが相手からの手紙や注文した本を待つ時間は、相手のことを思う時間であり、あたたかいものに見えました。実際、作家は古書店で働く人たちのために時々プレゼントを贈ったり、古書店の方は注文の品以外にも相手が気に入りそうな本を選んだりしていましたが、それらは「これを贈ったら喜んでくれるか」「こういうものの方が気に入るかも」などと相手の顔を想像する時間です。私はそこにあたたかさを感じたのだと思います。 現代は技術の進歩もあり便利な時代です。しかし、人々の生活のペースが速く、コミュニケーションにかける時間も短くなっているように思います(送受信といった実際のやりとりの時間も、相手のことを考えるといった心理面での時間も、両方です)。この作品は、観劇したり読んだりする人の世代や生活スタイルによって見え方が異なるのかもしれません。アナログな時代を「優しい時代だった」と懐かしんだり、時間がかかることを「面倒くさい」と思ったり、逆に新鮮で面白いと感じる人もいるかもしれません。私はこの作品のアナログなところを好きだと思いましたが、それは舞台上演(生の演劇)というそれ自体アナログなメディアに興味関心を持っているからだと思います。 そういった意味で、時代の流れ、人々の変化、自分の内面にある「なぜ?」と向き合うきっかけをくれた、素敵な作品でした。

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2026年9月19日、吉祥寺シアターにて『冬物語』を観劇(2時間30分、休憩込み)。 演劇集団円×中屋敷法仁によるシェイクスピアのロマンス劇という共通点のため、2023年の 『ペリクリーズ』 を思い出す上演でした。これは、似ているから新鮮味がないというのではなく、似たものを両方見たからこそ、シェイクスピアが『ペリクリーズ』でも『冬物語』でも(もしかしたら他の作品も含めて)描きたかった共通のテーマを感じ取れたと思います。 例えば『冬物語』における、主人公を手助けする羊飼いたち、「時」の存在、家族が生きていたと気付き始めて心を乱すレオンティーズ、再会の場面での音楽の役割などは、『ペリクリーズ』における漁師たち、ガワーという語り手、同様に心を乱すペリクリーズ、サイサが息を吹き返す時やマリーナと再会する時の音楽、といった要素と呼応します。それらの並列を通して、私が思うシェイクスピア(のロマンス劇)的なテーマは、一つには語り手の口を借りたり音楽を用いたりして観客の想像力をかき立てること、そしてもう一つは登場人物がそう信じればそれが真実になるということだと思いました(後者も想像力と言えばそうですね)。ハーマイオニの石像が動き出す場面など、文字で追うだけでは滑稽にも見える種明かしですが、レオンティーズたちが「今にも動き出しそうだ」と心からそう言って、それが本当に動き出し、レオンティーズがやっとハーマイオニの手に触れる、という場面だから観客も感動するのだと思いました。 作品のジャンルによって程度の差はあるものの、演劇というメディア自体、想像力を必要とするものです。そのことを、教わるのではなく、観劇を通して実感できてよかったです。

シークレットステージ@ぴあシアター

2026年9月18日、ぴあシアターにて『シークレットステージ』を観劇(2時間35分、休憩込み)。 劇中劇やリハーサルの場合もあるという、バックステージものの新作ミュージカルでした。そのような枠組みの作品は、例えば『HEADS UP!』(2015年、2018年)や 『The Play That Goes Wrong』 (2022年)のように、笑えるものが多いと思っていました。今回観劇した『シークレットステージ』は、第1幕はそういった雰囲気でしたが、第2幕はより深い内容で、対照的でした。その理由を考えてみた時、生と死を感じさせる内容だったからだと思いました。劇中劇のプロットや登場人物の回想など、目に見える範囲で生と死が描かれていたこともありますし、(劇中・現実問わず)劇団や役者が活動を終えたり、新しい劇場ができてそこから歴史が積み上がっていくなど、メタ的に生と死が感じられるものでもありました。ぴあシアターという、オープンして間もない会場で観劇したので、尚更そう思ったのかもしれません。 (開場中は写真撮影OKでした。)